Il n’y a pas de meilleur et de plus court chemin pour améliorer le travail que de faire la figure. Vincent Van Gogh

Il est vrai que le portrait en peinture est un formidable accélérateur de progrès et ce travail fourni, profite à l’ensemble des thèmes abordés en peinture. Cependant et pour ma part, c’est toujours avec une certaine appréhension que j’aborde la peinture de portrait que j’estime particulièrement difficile. L’observation, l’analyse des caractéristiques d’un visage, sont essentielles pour parvenir à un résultat cohérent. Faire ce voyage du regard des centaines de fois entre le sujet et son support tout au long d’une séance de pose, fatigue et tôt ou tard, le fil se perd, l’attention se relâche, et le crayon ou le pinceau dérive peu à peu vers une certaine apathie. Là commence le chemin de l’échec. Garder sa concentration, maintenir la pression…et oser aller plus loin sans détruire ce que l’on estime avoir déjà réussi. Car il arrive un moment où satisfait d’avoir atteint une certaine qualité d’ébauche, on se sent dans l’impossibilité d’apporter quelque chose de plus. Il est là le point de bascule qui, comme le dit Van Gogh, va permettre d’améliorer son travail. Il existe deux attitudes, s’en arrêter là de peur de détruire ce qui est acquis ou franchir le pas. Dans ce cas, la satisfaction peut être plus grande ou engendrer l’abattement. Quitte ou double.

Lorsque tout va bien, la peinture avance comme l’on roule sur une autoroute, avec facilité.
La photographie, en figeant la pose, le mouvement, a considérablement facilité l’exercice du portrait. Ingres fut sans doute l’un des premiers artistes à l’utiliser pour ses portraits de notables. Aujourd’hui avec la photo, on peut réaliser le portrait des membres de sa famille, de ses amis, sans leur imposer de longues et immobiles séances de pose.
Si la photo écrase le volume du modèle en un seul plan, et rend plus accessible la compréhension de la profondeur, il n’en reste pas moins de nombreux paramètres à relever, à organiser, à respecter pour parvenir à une certaine vérité du portrait. Pour moi, cette vérité s’exprime lorsque l’on peut dire : “- ce portrait peint est celui d’ une personne existant réellement”. On me parle souvent de ressemblance et je citerai Jean-Jacques Henner (1829-1905) qui s’entendit dire par une dame dont il avait fait le portrait :
“- Vous m’avez fait un portrait admirable, mais il n’est peut-être pas très ressemblant !
Henner répondit superbe de fureur :
“- La postérité s’en foutra, madame, de votre ressemblance”.
Henner estimait qu’un portrait était bon quand il était de bonne peinture.
On sent tout de suite quand un portrait est mal fichu. C’est la sélection des détails et non pas leur nombre, qui donne à un portrait toute sa ressemblance. Les caricaturistes savent bien cela, eux qui en quelques traits bien choisis et bien placés rendent parfaitement leur modèle.
J’évite de poursuivre ma peinture jusqu’au rendu trop photographique. Oublier l’hyperréalisme avec ses couleurs et valeurs lissées, trop dégradées. Laisser voir les coups de pinceau, les zones franches entre les couleurs afin de ne pas tomber dans la mièvrerie d’une copie photographique. Montrer une peinture avant tout.

Le moment que j’apprécie le plus lorsque le travail est bien avancé, c’est de venir modeler délicatement les deux grossières taches qui indiquent les yeux. Quelques coups de pinceau bien placés pour révéler le regard, complété d’une pointe de blanc pour la brillance et c’est la réalité du visage qui apparait soudain. La magie est toute là qui fait oublier le labeur entrepris et rend possible le simulacre de vie sur une simple toile. Parce que la satisfaction ne dure jamais longtemps la fin d’une peinture n’est que le début d’une autre.